San Francisco Frontiers - Coleção Haupt: O que o dinheiro revela sobre nós, seres humanos

Uma nota de dinheiro pode ser gasta, oferecida, guardada — ou transformada numa obra de arte. Nesse momento, o seu significado supostamente inequívoco começa a desvanecer-se. Será que esse papel impresso ainda é um meio de pagamento, já é uma peça de coleção ou, acima de tudo, o portador de uma ideia? A coleção de Haupt parte precisamente desta incerteza. O seu objetivo não é a multiplicação do dinheiro, mas sim a questão de saber o que o dinheiro faz às pessoas e que conceitos estas associam a ele. O advogado e colecionador de arte berlinense Prof. Dr. Stefan Haupt reuniu, para o efeito, um acervo que conta, entretanto, com mais de 300 obras.

Sob o título «Trinta moedas de prata – Arte e Dinheiro», encontram-se pintura, fotografia, objetos, gravura, livros de artista, vídeo e arte digital. O que lhes é comum não é um estilo específico, mas sim um objeto de investigação: o dinheiro como material, promessa, ordem social e motivo de controvérsia. É isso que distingue esta coleção de uma coleção de moedas. O foco não está na raridade nem no estado de conservação dos meios de pagamento, mas sim na sua reinterpretação artística.

A exposição «Imagens de capa no original» abre uma nova perspetiva, cuja inauguração está marcada para 15 de setembro de 2026, às 18 horas, na Associação dos Bancos de Garantia Alemães, em Berlim. Serão exibidas obras selecionadas que já foram publicadas nas capas da revista «Stiftung&Sponsoring». O curador é o Dr. Hermann Büchner. A transição da imagem impressa para o original levanta, por sua vez, uma questão central: o que descobrimos numa obra quando esta já não circula apenas como imagem, mas se apresenta diante de nós como objeto?

Uma nota de dez dólares muda a perspetiva
A atividade de colecionador de Haupt teve início em 1993; inicialmente, interessava-se especialmente pela fotografia. Os seus encontros profissionais com artistas e galerias levaram-no, para além das questões jurídicas, a um interesse crescente pelas próprias obras. Mais tarde, o dinheiro passou para o primeiro plano como tema unificador. Numa entrevista aprofundada como colecionador, Haupt descreveu a mensagem contenida na obra, bem como a sua execução artística e artesanal, como critérios decisivos de aquisição — e não o valor monetário de uma obra de arte.

«Money for Art», de Lee Mingwei, ocupa um lugar central. O artista entregou a várias pessoas notas de dez dólares dobradas de forma a formar esculturas e observou como estas lidavam com elas. Alguns trataram-nas como dinheiro e gastaram-nas; outros mantiveram as dobras. Haupt explicou também este ponto de partida da sua coleção temática numa entrevista publicada em 2024: o que lhe interessava era o facto de o mesmo objeto ser avaliado de forma radicalmente diferente pelos seus destinatários.
A experiência não necessita de uma quantia espetacular para ter um impacto de longo alcance. Quem desdobra a nota e a utiliza para pagar destrói a sua forma escultural, mas obtém, em troca, um valor de uso concreto. Quem a guarda renuncia a essa utilização e opta por um outro significado. A obra de arte não determina qual a decisão correta. Em vez disso, torna visível que o valor não está apenas ligado ao objeto, mas surge na relação entre o objeto e a pessoa.

Aí reside um ponto de partida produtivo para toda a coleção. A arte sobre o dinheiro não tem de celebrar a riqueza nem ilustrar a pobreza. Pode ser um arranjo experimental, no qual as decisões quotidianas se tornam subitamente reconhecíveis como decisões. Uma nota de dinheiro familiar basta para revelar a diferença entre preço, necessidade, memória e vínculo pessoal.

Trinta moedas de prata: o preço não é o valor
Já o próprio título da coleção contradiz uma visão neutra do dinheiro. As trinta moedas de prata remetem para a narrativa bíblica da traição de Judas. O dinheiro surge aqui não apenas como um meio de troca prático, mas no contexto da lealdade, da culpa e da ação mercenária. Haupt associa explicitamente o título à questão de qual o significado que as pessoas atribuem ao dinheiro em relação a outros valores.

Esta perspetiva impede que a arte do dinheiro seja reduzida a imagens decorativas de notas bancárias. Torna-se interessante quando um número já não dá uma resposta satisfatória: quanto custa a atenção? Quanto vale uma hora de trabalho? Pode um preço dizer algo sobre a qualidade de uma ideia? E o que acontece quando o sucesso financeiro de uma obra se torna mais importante do que aquilo que ela expressa?

A coleção inclui também obras que atribuem ao dinheiro uma função social diferente. Na obra de Germaine Koh, uma moeda com a inscrição «I will» torna-se portadora de uma promessa. Dadara, com «One Like/Love», coloca outras formas de reconhecimento ao lado das moedas habituais. Ambas as posições estiveram em exibição no âmbito da exposição no Museu Bode, em Berlim. Deslocam o olhar da posse e do pagamento para a relação e a reciprocidade.

Uma cabeça de ovelha e a mecânica da atenção
«The Value of Art – Sheep’s Head», de Christa Sommerer e Laurent Mignonneau, mostra como a questão do valor da arte pode ser encenada de forma imediata. Um quadro antigo é ligado a um sensor e a uma impressora em papel térmico. A presença dos observadores faz com que o preço indicado aumente. Não é uma alteração na pintura, mas sim a atenção registada que desencadeia o mecanismo de valorização.

A ironia reside no facto de o sensor não pressupor uma análise aprofundada da imagem. Mesmo a mera presença pode desencadear o processo. Assim, a obra pode ser interpretada como um modelo de avaliação que confunde visibilidade com significado. O que é frequentemente observado ganha peso — se essa atenção resulta de compreensão, curiosidade ou acaso, fica em aberto.

Ao mesmo tempo, a obra põe à prova os próprios observadores. Quem pára para observar não só analisa uma crítica ao mercado da arte, como passa a fazer parte do processo representado. A distância entre observação e participação diminui. O que aqui se destaca não é tanto a afirmação de que os prémios de arte são, em princípio, arbitrários. Trata-se da questão mais precisa de saber que informações um prémio realmente contém — e quais omite.

Uma relação semelhante é apresentada por «Treibwerk», de Alicja Kwade, de 2013, sob uma forma diferente. Oito moedas de euro de diferentes valores faciais estão dispostas em fila; as suas bordas foram alteradas de forma a que se encaixem como rodas dentadas. No entanto, as moedas permanecem imóveis no seu suporte: o aparente mecanismo de relógio está parado. A obra faz parte do acervo da coleção e foi apresentada em 2025 na série de obras que a acompanha.

As moedas conservam a memória da sua função anterior e, ao mesmo tempo, tornam-se componentes de outro sistema. Como interpretação, surge a questão de saber se, neste contexto, o dinheiro impulsiona algo ou se é ele próprio impulsionado. A imagem de uma máquina ordenada pode simbolizar tanto a fiabilidade como uma relação da qual as suas partes individuais não podem escapar.

Novas aquisições: Trabalho, tempo e a linguagem do consumo
As novas apresentações, publicadas em 2026, mostram que o acervo não se limita a uma seleção histórica de motivos monetários conhecidos. Em janeiro, a coleção apresentou «Salário Mínimo», de Charlie Stein, uma obra de 2011. O ponto de partida é a reprodução de um recibo de caixa, cujo significado se revela através de uma leitura específica. Um documento discreto do quotidiano do consumo torna-se assim portador de uma questão social.

O recibo de caixa é adequado para isso precisamente devido à sua objetividade. Regista o preço de um produto, mas, à primeira vista, nada revela sobre as condições em que este foi fabricado nem sobre a quantidade de trabalho que alguém tem de realizar para o poder comprar. No contexto do título «Salário Mínimo», esta lacuna pode ser interpretada como o verdadeiro objeto da obra. O recibo documenta uma transação e, ao mesmo tempo, abre a perspetiva para aquilo que não consta da sua faturação.

Em julho, seguiu-se a apresentação de «Tempo é dinheiro – dinheiro é tempo», de Julia Herfurth. Na folha criada em 2017, as duas frases aparecem em repetição manuscrita contínua, para a frente e para trás. A obra surgiu no âmbito do projeto «SWEAT SHOP», que encenou a produção artística sob pressão competitiva e temporal. Para a realização de uma obra encomendada, cada um dos artistas participantes dispunha de 30 minutos.

Aqui, a relação económica não é ilustrada a posteriori. Ela intervém na própria criação da obra. A escrita documenta uma atividade que teve de ocorrer dentro de um intervalo de tempo pré-definido. Ao mesmo tempo, a inversão da frase conhecida pode ser interpretada como uma objeção: o dinheiro pode disponibilizar tempo, mas não pode recuperar o tempo de vida já passado. A aparente equação permanece desequilibrada.

Quando a cor do dinheiro aparece na pele
Janine Mackenroth desenvolve uma abordagem diferente com «THE EURO COLLECTION», que foi apresentada em maio de 2026 como nova aquisição da coleção. A artista transpõe as tonalidades das sete notas de euro para uma edição de vernizes para unhas. Cada verniz está associado, no conceito artístico de preços, ao valor facial da respetiva nota. A cor torna-se, assim, não só um elemento distintivo a nível criativo, mas também económico.

A coleção completa inclui ainda 49 pinturas únicas em verniz de unhas, que, juntamente com as tonalidades, formam uma edição de colecionador. A 2 de maio de 2026, na galeria aquabitArt, em Berlim, a peça n.º 1/49 foi entregue a Stefan Haupt. Em agosto, o trabalho de Mackenroth foi tema do que já é o 60.º artigo da série sobre obras da coleção na revista «Stiftung & Sponsoring».

A obra pode ser interpretada como uma investigação sobre a forma como o estatuto social se torna visível. A fronteira entre material artístico, produto de consumo e auto-expressão exterior permanece deliberadamente permeável. Uma tonalidade que, à primeira vista, parece ter sido escolhida por uma questão de gosto, passa subitamente a ter um preço e uma referência a uma moeda. O dinheiro não é representado, mas sim traduzido para outra prática do quotidiano.

No contexto de Stein e Herfurth, resulta daí uma tríade notável. Um recibo de compra, uma folha com anotações e um frasco de verniz para unhas remetem, de diferentes formas, para as condições de trabalho, o tempo e a avaliação social. É precisamente a diversidade dos meios que impede uma crítica esquemática ao dinheiro. A coleção ganha novas perspetivas, em vez de repetir um único argumento com imagens sempre semelhantes.

A nota como imagem, a mala de dinheiro como narrativa
Na coleção, o dinheiro não é apenas um objeto físico. Pete Jones analisa fotograficamente as notas, nomeadamente através da retroiluminação e de vistas detalhadas fortemente ampliadas. A sua obra «Fé | Amor | Esperança», criada em 2018, foi apresentada em junho de 2026 na série de publicações que acompanha a exposição. A nota familiar transforma-se assim num espaço pictórico, cujas estruturas visuais são facilmente ignoradas nas transações financeiras do dia a dia.

Por outro lado, a obra em vídeo de Karen Koltermann, «A mala de dinheiro», cuja inclusão na coleção foi apresentada em março de 2026, trabalha com a interação entre o cinema e a ação encenada. A obra, criada em 2001, monta excertos de três longas-metragens com uma cena filmada especificamente para o efeito. Nela, a mala vazia da artista é enchida por um funcionário do banco com notas de 100 marcos alemães.

Esta comparação mostra como o dinheiro pode ser abordado de formas tão diferentes do ponto de vista artístico. A fotografia transforma o reconhecimento imediato num olhar demorado. O vídeo explora as imagens e as expectativas associadas a uma determinada forma de posse de dinheiro. Ambas as abordagens afastam-se da mera representação de uma quantia. Questionam as noções culturais através das quais o dinheiro exerce o seu efeito.

Da coleção privada para o debate público
A história da coleção é também uma história de contextos expositivos em constante mudança. No Museu Bode, obras do acervo complementaram, em 2016 e 2017, a exposição «A arte molda o dinheiro: MUSE MACHT MONETEN». O Gabinete Numismático combinou, nessa ocasião, perspetivas históricas e contemporâneas com questões artísticas sobre liberdade, poder e dependência económica. Os empréstimos da coleção constituíram um dos três pilares do conceito da exposição.

Em 2018, partes da coleção foram apresentadas sob o título «DINHEIRO – DELÍRIO – SENTIDO» nas Reinbeckhallen, em Berlim, com curadoria de Lena Fließbach. Enquanto no Gabinete Numismático a proximidade com a história do dinheiro se tornou particularmente evidente, a exposição nas Reinbeckhallen ofereceu um contexto adicional para a reflexão sobre a arte contemporânea em torno do dinheiro. Tais mudanças de local são, para uma coleção temática, mais do que meras etapas de um percurso: alteram os contextos circundantes e, com isso, as possíveis interpretações das obras.
A isto acrescenta-se a colaboração, em vigor desde 2013, com a Associação Alemã de Bancos de Garantia. A arte sobre o dinheiro é aqui exibida numa instituição cuja própria atividade está ligada ao financiamento. Esta relação pode gerar um atrito produtivo. As obras não se dirigem exclusivamente a um público de arte, mas encontram-se num quotidiano profissional em que o risco, o crédito e a avaliação económica são tarefas concretas.

Também no contexto universitário o tema foi abordado em 2026. A 27 de janeiro, a Universidade de Tübingen organizou a palestra principal «Arte e Dinheiro – O Dinheiro na Arte», no âmbito de um ciclo de palestras sobre as relações entre dinheiro, Eucaristia, ciência, arte e religião. A temática demonstra até que ponto a coleção vai além das questões de compra e venda: rumo à transformação simbólica das coisas e às convicções que lhes conferem valor.

«Imagens de capa no original»: Da imagem em circulação ao objeto
Com a exposição de setembro, uma seleção de obras regressa da sua divulgação nos meios de comunicação para o espaço expositivo. Desde outubro de 2016 que as obras da coleção têm vindo a ser apresentadas na rubrica «Stiftung & Sponsoring». A série conta agora com 60 contribuições. A primeira foi «A Horse Man Rode Out», de Michael Timpson. Para a nova exposição, foram anunciadas, entre outras, obras de Katharina Arndt, Thomas Baumgärtel, Dadara, Lex Drewinski, Maria Fisahn, Joachim Froese, Pete Jones, Anne Jud, Helmut King, Slava Ostap Osinski, Maximilian Roganov, Jürgen Schieferdecker, Reiner Schwarz, Jonny Star, Rirkrit Tiravanija, Philipp Valenta e Helmut Zobl.

É aí que reside uma característica cativante desta abordagem expositiva. Uma imagem de capa tem de chamar a atenção num espaço reduzido. No original, pelo contrário, acrescentam-se as dimensões, o material, a superfície e o efeito espacial. Uma obra em moedas comporta-se de forma diferente da sua fotografia, uma colagem de forma diferente da sua impressão plana. A exposição pode, por isso, ser entendida como um convite para interromper a velocidade da circulação das imagens e reavaliar as obras.

O acompanhamento jornalístico e curatorial amplia esta oferta. O site não só documenta datas, como também explica as aquisições, associa-as a obras já existentes e remete para textos aprofundados sobre as obras. Na visão de conjunto, surge um registo público contínuo do trabalho da coleção: tornam-se visíveis as decisões de seleção, as questões recorrentes e os novos procedimentos artísticos.

Uma coleção que também aborda as suas próprias condições
A preocupação com o dinheiro não impede que uma coleção de arte faça ela própria parte de relações económicas. Mesmo as obras críticas são compradas, possuídas, seguradas e expostas. Esta contradição não pode ser resolvida através de um rótulo moral. É precisamente por isso que é decisivo saber se as obras servem apenas como confirmação decorativa ou se colocam efetivamente em discussão as condições da sua própria circulação.

Haupt tem vindo a sublinhar repetidamente a primazia do debate sobre o conteúdo. Já na entrevista de 2016, enquanto colecionador, falou também sobre a expansão consciente da coleção para incluir arte digital e posições de artistas mulheres. Neste contexto, as novas aquisições de 2026 podem ser interpretadas como a continuação de uma abertura a longo prazo. Não se limitam a aumentar o acervo, mas alteram as questões que podem ser levantadas a partir dele.

A coleção convence ali onde reabre o que parece ser inequívoco. Uma nota de dinheiro pode ser poder de compra, memória ou escultura. Um preço pode explicar algo e, ao mesmo tempo, ocultar aspetos decisivos. Uma obra de arte pode criticar o mercado sem se situar fora desse mercado. Dessas tensões não surge um sistema doutrinário fechado, mas sim um convite a um olhar atento.

Atualmente, o Prof. Dr. Stefan Haupt encontra-se, além disso, em negociações com o empresário romeno Alex Bodi, que pretende levar a exposição para Bucareste (Roménia) e apresentá-la ao público local.

O dinheiro quantifica o que pode ser pago, sobretudo na era digital atual. A Coleção Haupt https://www.Sammlung-Haupt.de centra-se, precisamente por isso, naquilo que um único número está longe de explicar.