San Francisco Frontiers - Collection Haupt : ce que l'argent révèle sur nous, les êtres humains

Un billet de banque peut être dépensé, offert, conservé… ou transformé en œuvre d’art. Sa signification, supposée univoque, s’en trouve alors remise en question. Ce papier imprimé est-il encore un moyen de paiement, déjà une pièce de collection ou surtout le vecteur d’une idée ? La collection Haupt s’appuie précisément sur cette incertitude. Son objet n’est pas la multiplication de l’argent, mais la question de savoir quel effet l’argent a sur les gens et quelles représentations les gens y associent. L’avocat et collectionneur d’art berlinois, le professeur Stefan Haupt, a rassemblé à cette fin un fonds comptant désormais plus de 300 œuvres.

Sous le titre « Trente pièces d’argent – Art et argent », se côtoient peinture, photographie, objets, gravures, livres d’artistes, vidéo et art numérique. Ce qui les unit, ce n’est pas un style particulier, mais un sujet d’étude : l’argent en tant que matériau, promesse, ordre social et source de controverse. C’est ce qui distingue cette collection d’une collection numismatique. Ce ne sont pas la rareté et l’état de conservation des moyens de paiement qui sont au centre de l’attention, mais leur réinterprétation artistique.

L’exposition « Couvertures originales » offre une approche contemporaine ; son vernissage est annoncé le 15 septembre 2026 à 18 heures à l’Association des banques de cautionnement allemandes à Berlin. Elle présentera une sélection d’œuvres ayant déjà fait la une du magazine Stiftung&Sponsoring. Le commissaire de l’exposition est le Dr Hermann Büchner. Le passage de l’illustration imprimée à l’original soulève à son tour une question centrale : que découvrons-nous dans une œuvre lorsqu’elle ne circule plus seulement sous forme d’image, mais se présente devant nous en tant qu’objet ?

Un billet de dix dollars change le regard
L’activité de collectionneur de Haupt a débuté en 1993 ; au départ, il s’intéressait particulièrement à la photographie. Ses rencontres professionnelles avec des artistes et des galeries l’ont conduit, au-delà des questions juridiques, à s’intéresser de plus en plus aux œuvres elles-mêmes. Plus tard, l’argent s’est imposé comme thème fédérateur. Dans une longue interview de collectionneur, Haupt a décrit le message véhiculé ainsi que la réalisation artistique et artisanale comme des critères d’acquisition décisifs – et non la valeur monétaire d’une œuvre d’art.

« Money for Art » de Lee Mingwei occupe une place centrale. L’artiste a remis à différentes personnes des billets de dix dollars pliés en forme de sculptures et a observé comment celles-ci les traitaient. Certains les ont traités comme de l’argent et les ont dépensés ; d’autres ont conservé leur pliage. Haupt a également expliqué ce point de départ de sa collection thématique dans un entretien publié en 2024 : ce qui l’intéressait, c’était que le même objet soit évalué de manière radicalement différente par ses destinataires.
L’expérience n’a pas besoin d’une somme spectaculaire pour avoir une portée considérable. Celui qui déplie le billet et l’utilise pour payer détruit sa forme sculpturale, mais obtient en contrepartie une valeur d’usage concrète. Celui qui le conserve renonce à cette utilisation et opte pour une autre signification. L’œuvre d’art ne détermine pas quelle décision est la bonne. Elle met plutôt en évidence que la valeur n’est pas uniquement inhérente à l’objet, mais qu’elle naît de la relation entre l’objet et l’homme.

C’est là un point de départ fécond pour l’ensemble de la collection. L’art sur l’argent n’a pas à célébrer la richesse ni à illustrer la pauvreté. Il peut s’agir d’un dispositif expérimental dans lequel des décisions quotidiennes apparaissent soudain comme telles. Un billet de banque familier suffit à mettre au jour la différence entre le prix, le besoin, le souvenir et l’attachement personnel.

Trente pièces d’argent : le prix n’est pas la valeur
Le titre même de la collection contredit une approche neutre de l’argent. Les trente pièces d’argent renvoient au récit biblique de la trahison de Judas. L’argent n’apparaît pas ici simplement comme un moyen d’échange pratique, mais en lien avec la loyauté, la culpabilité et les actes vénaux. Haupt associe explicitement ce titre à la question de savoir quelle importance les gens accordent à l’argent par rapport à d’autres valeurs.

Cette perspective empêche de réduire l’art monétaire à de simples images décoratives sur des billets de banque. Elle devient intéressante là où un chiffre ne fournit plus de réponse satisfaisante : que coûte l’attention ? Que vaut une heure de travail ? Un prix peut-il en dire long sur la qualité d’une idée ? Et que se passe-t-il lorsque le succès financier d’une œuvre prend le pas sur ce qu’elle exprime ?

La collection comprend également des œuvres qui attribuent à l’argent une autre fonction sociale. Chez Germaine Koh, une pièce portant l’inscription « I will » devient le vecteur d’une promesse. Avec « One Like/ Love », Dadara juxtapose d’autres formes de reconnaissance aux monnaies habituelles. Ces deux positions ont été présentées dans le cadre de l’exposition au Bode-Museum de Berlin. Elles déplacent le regard de la possession et de la rémunération vers la relation et la réciprocité.

Une tête de mouton et les mécanismes de l’attention
« The Value of Art – Sheep’s Head », de Christa Sommerer et Laurent Mignonneau, montre à quel point la question de la valeur de l’art peut être mise en scène de manière immédiate. Un tableau ancien est relié à un capteur et à une imprimante sur papier thermique. La présence des spectateurs fait grimper le prix affiché. Ce n’est pas une modification du tableau, mais l’attention enregistrée qui déclenche le mécanisme d’augmentation de la valeur.

L’ironie réside dans le fait que le capteur ne présuppose pas une réflexion approfondie sur l’image. Une simple présence suffit à déclencher le processus. L’œuvre peut ainsi être interprétée comme un modèle d’évaluation qui confond visibilité et signification. Ce qui retient souvent l’attention gagne en importance – que cette attention résulte de la compréhension, de la curiosité ou du hasard reste une question ouverte.

L’œuvre met également les spectateurs eux-mêmes à l’épreuve. Ceux qui s’arrêtent ne se contentent pas d’examiner une critique du marché de l’art, mais deviennent partie intégrante du processus représenté. La distance entre l’observation et la participation s’amenuise. Ce qui est particulièrement pertinent ici, ce n’est pas l’affirmation selon laquelle les prix artistiques seraient fondamentalement arbitraires. C’est la question plus précise de savoir quelles informations un prix contient réellement – et lesquelles il passe sous silence.

« Treibwerk » d’Alicja Kwade, datant de 2013, aborde un thème connexe sous une autre forme. Huit pièces en euros de différentes valeurs sont disposées en ligne ; leurs bords ont été modifiés de manière à s’engrener comme des roues dentées. Mais les pièces restent immobiles sur leur support : ce qui ressemble à un mécanisme d’horlogerie est à l’arrêt. L’œuvre fait partie de la collection et a été présentée en 2025 dans la série d’œuvres qui l’accompagne.

Les pièces conservent le souvenir de leur fonction antérieure tout en devenant les éléments constitutifs d’un autre système. On peut alors se demander si, ici, l’argent fait avancer quelque chose ou s’il est lui-même entraîné. L’image d’une machine ordonnée peut symboliser autant la fiabilité qu’un ensemble dont les différentes pièces ne peuvent s’affranchir.

Nouvelles acquisitions : travail, temps et langage de la consommation
Les nouvelles présentations publiées en 2026 montrent que le fonds ne se limite pas à une sélection historique de motifs monétaires connus. En janvier, la collection a présenté « Salaire minimum » de Charlie Stein, une œuvre de 2011. Le point de départ est la reproduction d’un ticket de caisse dont la signification se révèle à travers une lecture particulière. Un document anodin issu du quotidien de la consommation devient ainsi le vecteur d’une question sociale.

Le ticket de caisse se prête particulièrement bien à cela en raison de son objectivité. Il indique le prix d’un produit, mais ne dit rien, a priori, sur les conditions dans lesquelles celui-ci a été fabriqué ni sur la quantité de travail nécessaire pour pouvoir l’acheter. Dans le contexte du titre « Salaire minimum », cette lacune peut être interprétée comme le véritable objet de l’œuvre. Le ticket documente un échange tout en ouvrant le regard sur ce qui n’apparaît pas dans son calcul.

En juillet a suivi la présentation de l’œuvre de Julia Herfurth intitulée « Le temps, c’est de l’argent – L’argent, c’est du temps ». Sur cette feuille réalisée en 2017, les deux phrases apparaissent en répétition manuscrite continue, à l’endroit et à l’envers. L’œuvre a été créée dans le cadre du projet « SWEAT SHOP », qui mettait en scène la production artistique sous la pression de la concurrence et du temps. Pour la réalisation d’une œuvre commandée, les artistes participants disposaient chacun de 30 minutes.

Ici, le contexte économique n’est pas illustré a posteriori. Il intervient dans la genèse même de l’œuvre. L’écriture témoigne d’une activité qui devait avoir lieu dans un laps de temps donné. En même temps, l’inversion de la phrase bien connue peut être interprétée comme une objection : l’argent peut libérer du temps, mais il ne peut pas faire revenir le temps de vie déjà écoulé. L’équation apparente reste inégale.

Quand la couleur de l’argent apparaît sur la peau
Janine Mackenroth développe une autre approche avec « THE EURO COLLECTION », présentée en mai 2026 comme nouvelle acquisition de la collection. L’artiste transpose les nuances des sept billets en euros dans une édition de vernis à ongles. Dans le concept artistique de tarification, chaque vernis correspond à la valeur nominale du billet correspondant. La couleur devient ainsi non seulement un critère de distinction esthétique, mais aussi économique.

La collection complète comprend également 49 peintures sur vernis à ongles uniques, qui forment avec les nuances de couleur une édition de collection. Le 2 mai 2026, l’exemplaire n° 1/49 a été remis à Stefan Haupt à la galerie berlinoise aquabitArt. En août, le travail de Mackenroth a fait l’objet du 60e article de la série consacrée aux œuvres de la collection dans le magazine « Stiftung & Sponsoring ».

Cette œuvre peut être interprétée comme une réflexion sur la manière dont le statut social se manifeste. La frontière entre matériau artistique, produit de consommation et expression de soi reste délibérément floue. Une teinte qui semble au premier abord choisie pour des raisons esthétiques revêt soudain une valeur monétaire et un lien avec une devise. L’argent n’est pas représenté, mais transposé dans une autre pratique quotidienne.

Dans le contexte des œuvres de Stein et Herfurth, il en résulte un trio remarquable. Un ticket de caisse, une feuille annotée et un flacon de vernis à ongles renvoient, chacun à sa manière, aux conditions de travail, au temps et à l’évaluation sociale. C’est précisément la diversité des moyens utilisés qui empêche une critique schématique de l’argent. La collection gagne ainsi de nouvelles perspectives, au lieu de répéter un seul et même argument à l’aide d’images toujours similaires.

Le billet de banque comme image, la mallette d’argent comme récit
Dans la collection, l’argent n’est pas seulement un objet physique. Pete Jones explore les billets de banque par la photographie, notamment par la transillumination et des gros plans fortement agrandis. Son œuvre « Foi | Amour | Espoir », réalisée en 2018, a été présentée en juin 2026 dans la série de publications qui accompagne l’exposition. Le billet familier devient ainsi un espace pictural dont les structures visuelles passent facilement inaperçues dans les transactions financières courantes.

L’œuvre vidéo de Karen Koltermann, « La mallette d’argent », dont l’intégration dans la collection a été annoncée en mars 2026, joue quant à elle sur l’interaction entre le cinéma et une mise en scène. Réalisée en 2001, cette œuvre assemble des extraits de trois longs métrages avec une scène tournée spécialement pour l’occasion. On y voit la mallette vide de l’artiste remplie de billets de 100 DM par un employé de banque.

Cette juxtaposition montre à quel point l’argent peut être traité de manière différente sur le plan artistique. La photographie transforme la reconnaissance immédiate en un regard lent. La vidéo explore les images et les attentes associées à une certaine forme de possession d’argent. Ces deux approches s’affranchissent de la simple représentation d’une somme. Elles s’interrogent sur les représentations culturelles à travers lesquelles l’argent déploie son effet.

De la collection privée au débat public
L’histoire de la collection est aussi celle de contextes d’exposition changeants. Au musée Bode, des œuvres issues du fonds ont complété, en 2016 et 2017, l’exposition « L’art façonne la monnaie : MUSE FAIT DES PIÈCES ». Le cabinet des monnaies y associait des perspectives historiques et contemporaines à des questionnements artistiques sur la liberté, le pouvoir et la dépendance économique. Les prêts issus de la collection constituaient l’un des trois piliers du concept d’exposition.

En 2018, une partie de la collection a été présentée sous le titre « ARGENT – FOLIE – SENS » aux Reinbeckhallen de Berlin, dans le cadre d’une exposition organisée par Lena Fließbach. Alors que le Cabinet des monnaies mettait particulièrement en évidence le lien avec l’histoire de la monnaie, l’exposition aux Reinbeckhallen offrait un contexte plus large pour aborder l’art contemporain consacré à la monnaie. Pour une collection thématique, ces changements de lieu sont bien plus que de simples étapes d’un parcours : ils modifient les contextes environnants et, par là même, les interprétations possibles des œuvres.

À cela s’ajoute la collaboration, en place depuis 2013, avec l’Association des banques de cautionnement allemandes. L’art consacré à l’argent y est présenté au sein d’une institution dont l’activité est elle-même liée au financement. Ce lien peut générer des frictions productives. Les œuvres ne s’adressent pas exclusivement à un public d’amateurs d’art, mais rencontrent un quotidien professionnel où le risque, le crédit et l’évaluation économique constituent des tâches concrètes.

Le thème a également été abordé en 2026 dans le contexte universitaire. Le 27 janvier, l’université de Tübingen a accueilli la conférence de Haupt intitulée « Art et argent – L’argent dans l’art » dans le cadre d’un cycle de conférences sur les relations entre l’argent, l’Eucharistie, la science, l’art et la religion. Ce thème montre à quel point la collection dépasse les questions d’achat et de vente : elle aborde la transformation symbolique des objets et les convictions qui leur confèrent leur valeur.

« Images de couverture dans leur version originale » : de l’image en circulation à l’objet
Avec l’exposition de septembre, une sélection d’œuvres quitte leur circuit médiatique pour revenir dans l’espace d’exposition. Depuis octobre 2016, des œuvres de la collection sont présentées dans la rubrique « Fondation & Parrainage ». La série compte désormais 60 articles. Tout a commencé avec « A Horse Man Rode Out » de Michael Timpson. Pour la nouvelle exposition, des œuvres de Katharina Arndt, Thomas Baumgärtel, Dadara, Lex Drewinski, Maria Fisahn, Joachim Froese, Pete Jones, Anne Jud, Helmut King, Slava Ostap Osinski, Maximilian Roganov, Jürgen Schieferdecker, Reiner Schwarz, Jonny Star, Rirkrit Tiravanija, Philipp Valenta et Helmut Zobl, entre autres, ont été annoncées.

C’est là que réside l’une des particularités séduisantes de cette approche expositive. Une image de couverture doit attirer l’attention dans un espace restreint. Dans l’original, en revanche, s’ajoutent les dimensions, le matériau, la surface et l’effet spatial. Une œuvre réalisée à partir de pièces de monnaie se comporte différemment de sa photographie, un collage différemment de son impression à plat. L’exposition peut donc également être comprise comme une invitation à interrompre la vitesse de circulation des images et à réexaminer les œuvres.

L’accompagnement journalistique et curatorial vient enrichir cette offre. Le site web ne se contente pas de répertorier les dates, il présente également les acquisitions, les met en relation avec des œuvres existantes et renvoie à des textes d’approfondissement. Dans cette vue d’ensemble se dessine un journal de travail public et continu de la collection : les choix de sélection, les questions récurrentes et les nouvelles pratiques artistiques deviennent ainsi visibles.

Une collection qui aborde également ses propres conditions
Le fait de s’intéresser à l’argent n’empêche pas une collection d’art de faire elle-même partie de relations économiques. Même les œuvres critiques sont achetées, possédées, assurées et exposées. Cette contradiction ne peut être résolue par un étiquetage moral. C’est précisément pour cette raison qu’il est déterminant de savoir si les œuvres servent uniquement de confirmation décorative ou si elles remettent réellement en question les conditions de leur propre circulation.

Haupt a souligné à plusieurs reprises la primauté de la réflexion sur le fond. Déjà lors de l’entretien accordé en 2016, il avait également évoqué l’élargissement délibéré de la collection à l’art numérique et aux positions d’artistes femmes. Dans ce contexte, les nouvelles acquisitions de l’année 2026 peuvent être considérées comme la poursuite d’une ouverture à long terme. Elles ne se contentent pas d’étoffer le fonds, mais modifient les questions qu’il permet de soulever.

La collection convainc là où elle remet en question ce qui semble univoque. Un billet de banque peut être un pouvoir d’achat, un souvenir ou une sculpture. Un prix peut expliquer quelque chose tout en masquant des éléments décisifs. Une œuvre d’art peut critiquer le marché sans pour autant se situer en dehors de celui-ci. De telles tensions ne donnent pas naissance à un système doctrinal fermé, mais invitent à y regarder de plus près.

Actuellement, le professeur Stefan Haupt est par ailleurs en pourparlers avec l’homme d’affaires roumain Alex Bodi, qui souhaite faire venir l’exposition à Bucarest (Roumanie) et la présenter au public local.

L’argent quantifie ce qui peut être payé, surtout à l’ère numérique actuelle. C’est précisément pour cette raison que la collection Haupt https://www.Sammlung-Haupt.de attire l’attention sur ce qu’un simple chiffre est loin d’expliquer.